監督による完璧な映画化アイデア

　マーク・オズボーンは、エージェントからこのプロジェクトについて初めて聞かされた日のことをこう思い返す。「あれは2009年だった。僕のエージェントが、『星の王子さま』という小説を知っているかと聞いてきたんだ。２人のフランス人プロデューサーが、あの本を基に大作アニメーション映画を作りたがっているからと。僕はあの小説をよく知っていた。だからこそ、僕の最初の直感は断れというものだった。そのままの映画化なんて、できっこないと思ったからね。そして、それについてもっと考えてみると、パスするには題材としてすばらしすぎると気づいたんだ。この本のテーマはとても豊かで、すごく共感を呼ぶ。それを出発点としてストーリーを組み立てるなんて、一生に一度のチャンスだった。しかも、映画によって、この小説を守ることができるという機会は、とにかくパスできないと思ったんだよ。それで、原作のストーリーの周囲に新たなストーリーを組み立てることによって、原作自体を膨らませるのではなく、それをそのまま守ってはどうかと提案したところ、それをサン＝テグジュペリ エステートが受け入れてくれたので、僕はすごくうれしかった」

　オズボーンは、何年も前、今の妻とまだ恋人同士だったころに、彼女から「星の王子さま」の本を渡され、個人的に深く影響されたと明かす。当時、ふたりは大学生で、長距離恋愛をうまく続けていこうとしていた。「『星の王子さま』が離れかけていた僕らを再び結びつけてくれた」と彼は認める。「映画化に際し、僕はこの小説にすごく注意を払ったよ。僕にとっても、そして読んだことがある誰にとっても、この小説はとても深い意味がある。人生において重要な関係と友情のことを真剣に考えさせてくれるからだ」

　監督は、解くべき難問としてこの映画にアプローチしたそうだ。「大きな問題は、あの本を読んで味わうとても深い感情面での体験に匹敵するような映画体験を、どうすれば作れるのかということだった」と彼は言う。「製作のディミトリー・ラッサムとランチをしたときに、僕の究極の夢のシナリオを提案して、どこまでやれるかを試したんだ。それには、ＣＧアニメーションをストップモーションアニメーションと組み合わせるという大胆なアイデアが含まれていた。年老いた風変わりな飛行士と、彼の隣に越してきた女の子の間に生まれる感動的な関係を掘り下げたいというのが、僕の大それたアイデアだったんだ。僕はこの映画が最終的には、友に別れを告げることを学ぶ少女のストーリーになる必要があると感じた。それは原作の展開としっかり並行することになる。それはこの非常に繊細な題材へのアプローチとして適切だと思えた。でも正直なところ、そういうアイデアが全部通るとは夢にも思っていなかったよ」

　幸いにも、サン＝テグジュペリ・エステートも、本作のプロデューサーたちも監督の熱のこもったアイデアを大いに気に入った。2010年10月、オズボーンはアーティストと脚本家から成る少数精鋭チームをロサンゼルスに集めてアイデアを出し合い、コンセプトアートと脚本初稿を創った。その後、オズボーンは家族とともにパリへ移り住み、本作のプリプロダクションを本格的に開始。そして、ストーリーボード・アーティスト、ルック・デベロップメント（物体の見た目や質感を決めること。通称“ルック・デブ”）・アーティスト、キャラクター・デザイナー、制作パイプライン（ＣＧアニメーション映画を制作するために、さまざまな作業工程を融合させるシステム）・エキスパートのチームが結成され、夢の映画実現へのプロセスが始まった。

　この時期、オズボーンは、ボイス・キャスト候補の俳優たちや、制作に参加するアーティストに対してだけでなく、世界中の配給会社に対しても本作を売り込んでいたそうだ。彼はその際、本作のトーンと情熱を伝えるために特別に用意したハンドメイドの視覚グッズがいっぱい詰まった“魔法のスーツケース”を使った。「過去４年間で、僕がこの映画の売り込みをしたのは400回近いんじゃないかな」と彼は思い返す。「ジョー・シュミットという、才能豊かなモデルメーカー（模型制作者）が作ってくれたそのスーツケースには、アートブックが入っていて、映画のストーリーを視覚的に伝えることができた。それを見た人々は、僕たちがいかに原作小説に敬意を払いつつ、それを守れるように新しいストーリーで包み込んだのかを知って驚いていた。その様子を見るのはとてもいい気分だったよ。この映画にかかわった誰もが、このストーリーを語るために多くのリスクを背負ってくれた。僕たちにとって、それはほんとうに充実した製作プロセスだったよ」

　結局のところ、ストーリーを小説のページからスクリーン上へ移す旅にとって、通常とは異なる製作プロセスはプラスに働いた。オズボーン率いる少人数のチームがロサンゼルスで始動させたこのプロジェクトは、その後、準備とストーリーボード作成の段階でパリに移動した。アニメーション、制作、照明の最終段階では、チームはカナダのモントリオールに拠点を移した。フランス／カナダ合同プロジェクトとして税制上の優遇を受けるためだ（本作は、パリのオニキス・エンターテイメントと、モントリオールのミクロスの共同事業）。

　「社内スタッフのみで構成されたドリームワークスでのアニメーション映画作りとはかなり違う」とオズボーンは説明する。「この映画では、全員を外部から雇い、僕ら独自のインディペンデント制作会社を立ち上げ、必要に応じて独自のアニメーション・パイプラインを創り上げた。そのおかげで、既存のいかなる構造にも縛られずに済むので、自由に試せるすばらしいチャンスを得たんだ。マイナス面は、いわば、電車が走っている間に線路を作っているようなものだったので、それがかなり怖かったのは確かだね」

　オズボーンの製作パートナー、ジンコ・ゴトー（『ファンタジア ２０００』『ファインディング・ニモ ３Ｄ』『９＜ナイン＞ ～９番目の奇妙な人形～』『イリュージョニスト』）は、オズボーンのアプローチによって、長年の原作のファンと同じくらい一般の映画ファンも共感できる作品になると確信している。「私はこの映画は、熱狂的なアニメ・ファンだけでなく、映画ファンを広く惹きつけるんじゃないかと期待しているの。原作のファンは、私たちがそれをきちんと守っていることをわかってくれるでしょう。もし本を読んだことがなければ、この映画によって、それがどれほど特別な小説なのかが理解できるはず。ＣＧとストップモーションの組み合わせにより、これまでのどんなアニメーション映画でも観たことがないほど、視覚的なストーリテリングに奥行きが出ているの」

アニメーション界のドリームチーム

　本作の制作面で際立つ要素のひとつは、ヨーロッパのアニメーション界で超一流の人材と、ロサンゼルスの大手アニメーション・スタジオの才能豊かなベテランの両方を惹きつけたという点だ。ストーリー統括／脚本のボブ・パーシケッティはこれまでに、ディズニーでは『ノートルダムの鐘』『ムーラン』『ターザン』などを、ドリームワークスでは、『シュレック２』『モンスターＶＳエイリアン』『長ぐつをはいたネコ』などを手がけてきた。彼は、2012年初頭にオズボーンから電話で本作に誘われた日のことをよく覚えている。「ドリームワークス時代からマークを知ってはいたけれど、同じ映画で組んだことは一度もなかったので、僕は少数精鋭のストーリーボード・アーティストたちと一緒に、この映画のストーリーをマークと練るチャンスに飛びついたんだ」

　パーシケッティによれば、監督のマーク・オズボーン、脚本のイリーナ・ブリヌル（『I Capture the Castle』『The Boxtrolls』）とのクリエイティブ面に関するミーティングは、主要キャラクターたちを見極め、それぞれの何がユニークで、何が特別なのかを具体的にしていくうえでとても役立ったそうだ。「それがこのプロセスのすばらしい点なんだよ」と彼は説明する。「最初の脚本が書かれた段階では、個々のキャラクターはまだ粗削りなダイヤの原石のようなものだ。だからそれを練っては磨き、練っては磨き……という作業を繰り返すたびに、一人ひとりのよりはっきりした姿が見えてくる。そうやって観客が一緒に旅を楽しんでくれるようなすばらしいキャラクターたちを創り出しながら、ストーリーをとても効率よく進めることができる。その結果、映画にとっての最高の脚本になるんだよ」

　イギリス人脚本家のブリヌルは「この映画のための脚本を監督のマークと練るプロセスは、とても充実したコラボレーションだった」と言う。「彼はとても話しやすい人で、さまざまなアイデアを自由に言える雰囲気を創ってくれるの。たとえアイデア自体がひどいものでも、何らかの解決につながることもある。ロサンゼルスでアニメーション制作のアーティストたちと会ったとき、クリエイティブ面のアイデアが突然、いろいろな人からたくさん出てきたの。そういうのはものすごく役に立つ可能性がある。そして、それらのアイデアの中から最初の脚本を改善できると思えたものをいくつか採り入れることができたのよ」

　「少女のころ、うちには『星の王子さま』が一冊あったので、あの本の雰囲気や挿絵をかなり鮮明に覚えているの」と語るブリヌルは、オスカー受賞作品『恋におちたシェイクスピア』の脚本にも関わった。「『星の王子さま』の挿絵は私たちの第一のインスピレーション源だった。そして、原作には主要なテーマがふたつあり、それらがとくにパワフルだった。ひとつは、『大切なものは目に見えない』というメッセージで、もうひとつは、大人になってもいかに子供の心をもち続けるかということよ。私たちは、一冊の本がひとりの子供にどのように大きな影響を与えるかを、キャラクターのひとりを通して描くのはいいアイデアだと気づいたの。それが私たちの出発点だった。そして、アーティストたちの手によるアートワークができてくるようになると、それは私たちがストーリーを練るのにとても役立ったわ」

　本作のユニークな雰囲気と美術を創り出した主要アーティストのひとりは、ピクサーの『Mr. インクレディブル』『カールじいさんの空飛ぶ家』を手がけたことで知られるルー・ロマーノだ。彼は、本作に加わった理由を、原作の魅力に加えて、マーク・オズボーンと組めることがうれしかったからだと言う。ロマーノとオズボーンは、カリフォルニア芸術大学（通称“カルアーツ”）でクラスメートであり、学生時代に短編映画を何作か一緒に制作した。「僕はマークと組むのが大好きだし、彼が説明してくれたストーリーにとても興味をもった」とロマーノは言う。「僕がこの作品に加わったとき、すでに充分な数のデザインができていたんだ。それでマークが僕に頼んだのは、それらすべてをまとめ、しかも、僕自身のアイデアを盛り込む方法を見つけることだった」

　本作の美術監督として、ロマーノは、ストップモーションとＣＧの両方において、デザイン、照明、色彩の点で、映画の視覚的な雰囲気の確立に協力した。「最初から原作というしっかりした枠組みがあったので、そこに映画としての照明や雰囲気を詰めていくのは、ゼロから始めるよりもやりやすかった」と彼は語る。

　脚本を練るプロセスで、ストーリーはつねに進化していたが、ロマーノによれば、キャラクターそれぞれの世界のトーンがどうあるべきかについて、オズボーンは最初から明確にしていたそうだ。「飛行士の世界は暖かく、魔法のような魅力のある場所で、一方、女の子の世界は頑なで冷たく、より秩序正しい場所。僕がデザインするうえでいつも大事なのは、それを通して観客のどんな感情や感傷を引き起こしたいかという点なんだ」

　ロマーノによれば、フィルムメーカーたちは小説「星の王子さま」に加え、フランス人の名匠ジャック・タチの『ぼくの伯父さん』『プレイタイム』といった映画も参考にしたそうだ。「それらの映画には、大人の世界をからかっているような、一種の風刺がある」とロマーノは考えながら言う。「タチはとても視覚的なストーリーテラーだったので、映画を観れば彼の思考がすぐに理解できるんだ。僕たちはまた、過去のストップモーション映画の傑作をたくさん観た。また、1950年代、60年代の近代的なデザインの影響が、このストーリーの現実の世界と、大人だけで構成されている惑星において見てとれる。どちらも、同じような種類の近代的な合理化と、単純な表面的な美しさがある。それとは対照的に、飛行士の世界は平坦ではなく、気まぐれな雰囲気がある」

　共同美術のセリーヌ・デルモ（『ハリー・ポッターと死の秘宝 PART 1』『Asterix: Le domaine des dieux』）は、ＣＧとストップ・モーションの組み合わせによって、本作には、単純さ、美しい映像、そしてある種の素朴で子供らしい魅力が見事に混在するようになったと考える。「私は、原作の挿絵に最大限の敬意を払いたかったの」と彼女は言う。「これまで『星の王子さま』に基づいて創られた作品では、イラストのほとんどが、青い空と濃い青の背景で描かれているので、私は、『原作から受ける視覚的な印象を大切にしながらも、この映画でどうすればこれまでの作品と一線を画することができるかしら？』と考えたのよ。そしてまた原作のことを考えたら、最初に頭に浮かんだ色は白だったの。すべての絵が描かれている白いページ、黄色い星が点在する白い宇宙、白い背景にウォーターカラー・エフェクト（水彩画のように見せる手法）……。白と黄色は、私にとっても、制作チーム全員にとっても、大きな意味があるのよ。それは原作の挿絵を象徴するものだから。紙の色、砂丘の色、太陽、星たち。そのすべてを私たちは使いたかった。そして何よりも、それは“私たちの”色であり、“私たちの”映画の色だったから」

　キャラクター・デザイナーとして名声を博しているピーター・デ・セヴにとって、本作は、十代のころに読んだ本をじっくり読み直すとてもいい機会だった。「昔読んだときは、ちゃんと理解していなかったと思うけど、今回はとても感動したよ。監督のマークからこの件で初めて電話をもらったとき、白状すると、僕はちょっと怖気づいたんだ。なにしろ、世界中の何百万もの人々の心にすでに刻み込まれたキャラクターたちを造形し直せと頼まれたんだからね。でも、マークの説明にとても興味を惹かれたし、彼はこの映画化にすごく情熱的だったので、きっと原作のよさを充分に生かせると思えた」

　「アイス・エイジ」シリーズの人気キャラクターたちのデザインで有名なデ・セヴは、ディズニーの『ノートルダムの鐘』『ターザン』、ドリームワークスの『プリンス・オブ・エジプト』、ピクサーの『バグズ・ライフ』『ファインディング・ニモ ３Ｄ』など、メジャー・スタジオの大作アニメーション映画も手がけてきた。彼は、「星の王子さま」の本で、キャラクターたちはほとんど子供っぽく見えるような手法で、とてもシンプルに描かれていると語る。「あの挿絵からはいろいろな解釈をすることができたが、肝心なのは、サン＝テグジュペリの絵の本質を僕がどれだけ具体的に捉えられるか、という点だった」

　星の王子のキャラクター・デザインを決めるうえで、デ・セヴは、オズボーンに多くの選択肢を与えるために、できるだけたくさんのデザインを考えた。「デザインを考えるのがいちばん難しいキャラクターというのは、主役であることが多い」と彼は説明する。「とくにこの映画の場合、王子が誰で、どんな外見か、誰もが知っているからね。僕は、20から30点ぐらいの絵を描き、スカイプで打ち合わせをする前にマークに送ったんだ。彼は、王子の顔、体のバランス、衣装などのいろいろな側面を指摘し、僕らが望む構成要素に近づけるまで練った。僕は以前から、王子にはちょっと悲しげで、厭世的な雰囲気があると気づいていた。それは、子供が主役のアニメーション映画ではふつう見られない要素なんだよ。だから僕が描いた彼の絵の多くは、ちょっとばかりメランコリックな感じがするんだが、同時に、王子さまには好奇心旺盛なところや、魔法にかけられたような魅力もある。また、彼はささいな物事に美しさを見いだす人でもある。僕は彼を描くときに、そういう微妙な要素を盛り込もうと努力したんだ」

　本作でアニメーション監修を務めたジェイソン・ブースは、本作の大きなチャレンジのひとつが、ある種のヨーロッパ特有の詩的な繊細さを、ストーリー展開の美観としてはより伝統的な要素と組み合わせることだったと語る。「これは親密なつながりを描いた映画だ」と言うブースは、これまでに、ディズニーの『リロ＆スティッチ』、ピクサーの『カーズ』『レミーのおいしいレストラン』『カールじいさんの空飛ぶ家』などを手がけたアニメーターだ。「親密さがあふれる映画として、老いた飛行士と女の子の関係にしっかり説得力をもたせる必要があったんだ。スクリーン上でふたりが絆をもち、ゆっくりと友情を育んでいく様子を描くことが、重要なチャレンジだった」

　ブースは、本作はアニメーション映画は必ずしも一定の型にはまる必要はないという証拠だと指摘する。「アニメーションだからといって型どおりである必要も、単純明快である必要もない」と彼は言う。「詩的で意味深くても、（従来のアニメ映画に対してのように）観客がキャラクターたちやストーリーに熱中するアニメーション映画になりうるということだよ。僕たちはこの作品で、アニメーション映画はこうあるべきだという定義の枠を超えることによって、アニメーションというフォーマットで表現できる可能性は無限にあることを証明できればと思っている」

ストップモーションの世界へようこそ

　本作のストップモーション・シークエンスを創るチームを選ぶ段階で、監督のマーク・オズボーンはジェイミー・カリリの才能に委ねることに決めた。カリリは、賞も獲得したユナイテッド航空のＣＭ「Dragon」でよく知られ、映画『レモニー・スニケットの世にも不幸せな物語』やＴＶシリーズ「ユナイテッド・ステイツ・オブ・タラ」のタイトル・シークエンスも手がけている。

　「僕はマークの作品が大好きだし、彼を学生時代から知っているので、この映画で彼がストップモーション・アニメーションを使いたがっていると知ったとき、興味があるとすぐに伝えた」と語るカリリは、世界中のＴＶ／映画用のストップモーション・アニメーション制作ソフトとして使われている“ドラゴンフレーム”のクリエイティブ監督でもある。「僕たちは幸運にも、アレックス・ユーハス（「ユナイテッド・ステイツ・オブ・タラ」『The Babadook』）に参加してもらえた。優れた審美眼と、胸がわくわくするような作画スタイルをもつ彼が、制作の初期段階からコンセプト・スケッチに取り組んでくれたんだ。僕たちはカリフォルニア州オーハイで、彼のイラストに基づいて模型をいくつか創り、写真を撮ってマークに送った。僕たちは、この題材のシンプルな美しさに集中したかったので、古風で静かなスタイルで撮影するアプローチをとったんだ」

　カリリ、ユーハス、そしてストップモーション・アニメーション主任のアンソニー・スコットは、飛行士の本のページを通して見えてくる世界を構築するために、監督のマーク・オズボーンと密に連携をとった。「僕たちは、その世界を描く媒体として紙を選んだ。それは、マークがこのストーリーを王子さま中心に構築していたからだ……老いた飛行士があの長い年月、大事にしてきたルーズリーフの何枚ものページで。それは、原作のストーリーへの明らかなつながりだ。だから、僕たちは、冒頭では完全に紙でできているシークエンスから始めて、その後、より奥行きが出てくるにつれ、紙とクレイ（粘土）を組み合わせることによって、キャラクターの顔にウォーターカラーを乗せることができると考えた。僕たちはそれをすべて大げさな形で創るんだが、セットの照明は自然な形にした」

　そう語るカリリが本作でお気に入りのシーンのひとつは、初期に制作したシークエンスだそうだ。「最初に手がけたシークエンスの中で、僕たちはこの紙の世界を女の子の目を通して紹介する」と彼は説明する。「女の子が想像するなか、ＣＧシークエンスから、ストップモーションの紙の世界に移行する。女の子が持つ紙は、雲に似ている紙のトンネルの中に入っていき、それはその後、砂丘に変わるんだ。このシークエンスは、３Ｄのスペースの上、基本的には作業台の上に置かれた彩色されたシンプルな紙を使って作った」

　本作でストップモーション・アニメーション主任を務めたアンソニー・スコットは、パペットとセットを紙で作るという選択によって、それらのシークエンスが際立つものになったと確信している。具体的な困難に関して、彼は王子さまのキャラクターを捉える複雑さに言及する。「アニメーション制作そのものに関して、僕が最初に考えたことのひとつは、王子さまのスカーフをどうするかということだった」と彼は思い返す。「小説のイラストでは、彼のスカーフはたいてい不思議にも宙に漂っている。まるでつねに風が吹いているかのように。僕は、それについてマークがどう考えているかなと思って、相談した結果、映画では、シークエンスごとに風の強さをレベル分けすることにしたんだ。つまり、風もこの映画ではもうひとつのキャラクターになったというわけ！　そして、アニメーターたちはスカーフをどう動かすかを決める基準を手に入れたんだ」

　本作のそれぞれのストップモーション制作にかかった時間は、そのショットの複雑さによって異なる。「キャラクターふたりが、話しながらゆっくり歩くアニメーション制作は、キャラクターひとりが瞬きしたり、振り向いたりするアニメーション制作よりも長い時間がかかる」とスコットは説明する。「だから、この映画では、ひとりのアニメーターが１週間につき、平均５秒から10秒の映像を制作した感じじゃないかな。そのショットの複雑さによって違うけどね」